NEOEXPRESIONISMO

·         Fines de los 70 y principios de los 80 en Alemania.

·         Características:

-          surgió como reacción contra el minimalismo y el arte conceptual.

-          Se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles, como el cuerpo humano, dibujadas de manera muy burda.

-          Se destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el “dripping”, pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Es el primer movimiento de posguerra alemán que enfrenta a su propia historia asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.

·         Entre los mejores representantes americanos del neoexpresionismo se encuentran: David Salle y Julian Schnabel, aunque hubo una vertiente muy particular, cargada de humor e ironía, representada por Keith Haring y Jean-Michel Basquiat; en el caso de Alemania destaca el trabajo de Georg Baselitz, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, A. R. Penck mientras que Sandro Chia y Francesco Clemente representan las figuras italianas más internacionales.

·         Autor: Jorg Immendorff (1945-2007) fue un pintor neoexpresionista alemán. Fue uno de los más destacados pintores de la posguerra. Se destaca la serie de 1970 del conjunto de sus obras.

Su logro más famoso es el Café Deutschland
serie, iniciada en 1977 y continuó hasta los años ochenta.
Su discoteca imaginario se encuentra en la frontera este-oeste, una organización independiente
territorio en el teatro burlesco de la política a la guerra fría,
identidad nacional, y la batalla del legado artístico se juega
noche tras noche en todos sus subterfugios y el drama. Este
serie de trabajo tiene su arquitectura inicial de Renato
Guttoso del Café Greco , pero en la pintura después de
pintura cambia el "ángulo de la cámara, el mobiliario es
reorganizado, y la acción se refleja en la perspectiva retorcida
del espectador no tan inocentes.

En este Café a partir de 1984, Immendorff ya ha predicho
la reunificación alemana. A la izquierda del lienzo de Brandenburgo
Puerta, con sus cuatro caballos apocalípticos, cae a través de la
bar tomando con él la capa de hielo cubriendo el país.
A la derecha, un impotente, a largo enterrado Hitler mira hacia el
futuro desde una perspectiva borrachín, al tiempo que se llevó por
garras venenosas. Como de costumbre, el artista observa el
escena se despliegan desde su mesa de ringside cómodo.

Fuentes de información: 

http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/artpages/immendorff_Caf%E9_Deutschland_(Lift_Tremble_Back).htm

HIPERREALISMO

·         Tendencia radical de la pintura realista, surgida en EEUU a finales de los años 60 del siglo XX. Tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. El arte pop es el precursor inmediato del hiperrealismo.

·         Características:

-          Los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles.

-          Algunos trabajan a partir de las fotografías.

-          Se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana.

-          El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes.

-          Los fotorrea nunca se constituyeron en grupo, pero si hicieron exposiciones que los presentan como un estilo.

·         La pintura hiperrealista se puede ejecutar con varias técnicas que pueden ser al óleo o con acrílico. Una herramienta muy útil es el aerógrafo, existen en las librerías numerosos libros publicados sobre el tema. Cuando se trabaja solo con aerógrafo no se ven pinceladas porque la pintura es rociada o pulverizada, sin embargo para conseguir un buen realismo hay que hacer uso del pincel y a ser posible utilizar máscaras sueltas para evitar bordes demasiado duros esta de más decir que ciertos efectos o texturas se consiguen realizando una combinación de técnicas con esponjas trapos etc. Cuando la pintura final se realiza al óleo con veladuras de color finas se puede eliminar por completa la pincelada. 

·         Ernesto Barreda, Claudio Bravo, Guillermo Muñoz Vera, Don Eddy

·         Autor: Don Eddy (1944) fue un pintor estadounidense de estilo fotorrealista. Don Eddy nació en el sur de California en 1944. Él recibió su BFA y MFA grados de la Universidad de Hawai y su trabajo post-graduado en la Universidad de California en Santa Bárbara. Reside en Nueva York. Un artista realista, a veces llamado una foto-realista, el artista trabaja en acrílico sobre lienzo, así como en lápiz de color sobre papel.

Eddy decidió deshacerse de la figura humana en conjunto, y para hacer frente a la cabeza ilusionismo pictórico en. Una alquimia extraordinaria se estaba gestando al empezar a identificar aquellos aspectos de la toma de imagen que le atraía. El, el rigor intelectual cerebral del arte conceptual y el minimalismo era tentadora. Se ofreció una vía para salir de las arenas movedizas de la respuesta emocional instintiva, hiper-emocionalidad y la actividad expresiva favorecido por expresionistas abstractos, sin embargo, no satisfacer una necesidad, o mejor una compulsión a las embarcaciones de los objetos. Él se sintió atraído por las superficies y el artificio de la obra de algunos maestros clásicos del pasado.

Fuentes de información: http://www.nancyhoffmangallery.com/artist_pages_new/eddy/eddy.html

ARTE OPTICO (Op Art)

·         Es un movimiento pictórico nacido en EE. UU en 1958, conocido por su acepción en inglés: OP ART: ese término se acuño por un artículo publicado en 1964 por la revista time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras

·         Caracteristicas:

-          Se caracteriza por varios aspectos como la ausencia total del movimiento real

-          Todas sus obras son físicamente estaticas, pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, ubicación, parpadeo o difuminación

-          Creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.

·         Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.

·         el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.                                                                                 

·         Los elementos visuales de la ilusión óptica que más podemos ver en el Op-art son:

-          Perspectiva y Estructura.
La perspectiva es la representación de la profundidad en el espacio plano. Se basa en el conocimiento de los puntos de fuga, las líneas y los tonos, principalmente.
La estructura es lo que ordena la imagen de un modo determinado.
Hay que saber comprender y  generar la ilusión de espacio
En el Op-art se utilizan los llamado “Módulos” y que son formas que van a ser repetidas en el espacio variando la escala o tono, por ejemplo. Son un elemento muy útil en la generación de la ilusión óptica.

-          Gradación
Trata sobre la transición de elementos de un grado a otro de un modo ordenado. Abarca el trabajo tonal (cambio gradual de tono), de matiz (cambio gradual de color) y de cambios de escala /forma.

-          Gradación de módulos: los módulos pueden tener gradación de figura, de tamaño, de color, de textura, de dirección, de posición, de espacio y de gravedad.

-          Gradación en el plano: Rotación en el plano y Progresión en el plano.

-           Gradación espacial: Afecta a la figura o al tamaño de los módulos. Rotación espacial y Progresión espacial

-          Se trata de la influencia que ejercen unos elementos visuales sobre otros.

-          Repetición de los Módulos.
Este es el método mas sencillo de diseño, esta suele aportar una inmediata sensación de armonía.

·         Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

·         Autor:  Victor Vasareley: fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del OPART. Nació en Hungría el 9 de abril de 1908. Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

A principios de los años 30 se trasladó a París donde trabajo como grafista. Fue en paris donde crea su primera obra de Op Art, considerada la madre de todas las venideras: Zebra (1950)

Se creó un modelo propio de arte abstracto basado en formas geométricas dotadas de efectos ópticos de movimiento y ambigüedad de formas. Utilizo varias materias pero siempre creando sus obras con los mínimos colores posibles.

Fuentes de información: 

www.my.opera.com/enlacesatspace/blog/2007/03/14/arte-optico

http://www.diversica.com/cultura/archivos/2007/01/arte-optico.php

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm

http://www.pinturayartistas.com/el-op-art-y-el-diseno-tridimensional

POP ART

•          Nace en Inglaterra y EE UU (nueva york fundamentalmente) a fines de 1950, siglo XX.  Es interpretado como  una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo  abstracto, ya que lo consideraban vacio y elitista.
•          Características: manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
•          El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.
•      Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.
•          Es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
•          El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.
•        Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".
•          Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana
•          Autor:  Andy Warhol (Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU, h. 1928-Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense. Pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960. El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.

Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de arte cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otro de los grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos cómics.

Fuentes de información: 

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm

http://dmiarte.blogspot.com/2010/08/arte-pop.html

SURREALISMO

·         Es el movimiento artístico nacido en Francia después de la I Guerra Mundial. Lo definió André Breton en su manifiesto de 1924. Tiende a representar, abandonando toda preocupación estilística, la vida profunda del subconsciente, la labor del instinto que se desarrolla fuera de los límites de la razón. El arte surrealista es inmediato, irreflexivo y está despojado de toda referencia a lo real.

·         El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía ssí como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al asamblaje de objetos incongruentes como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural pintado en París en 1926.

·         Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

·         El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el análisis artístico. Breton intenta descubrir las profundidades del espíritu. Así lo pone de relieve en su Primer Manifiesto del Surrealismo (1924): "Creo en el encuentro futuro de esos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad". El Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro, la poesía... . El resultado es un mundo aparentemente absurdo, alógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón.

• Animación de lo inanimado
• Metamorfosis
• Aislamiento de fragmentos anatómicos
• Máquinas fantásticas
• Elementos incongruentes
• Perspectivas vacías
• Evocación del caos
• El sexo y lo erótico se trata de modo lúbrico
• Autómatas
• Espasmos
• Líbido del inconsciente
• Relaciones entre desnudos y maquinaria

Biografia del autor:

 Salvador Dalí ha sido el más destacado excéntrico en sus hechos, dichos automáticos, escritos y por supuesto obra. La relación de artistas que se mueven dentro del surrealismo es extensa: Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux.
 
Para algunos grandes maestros el surrealismo fue solamente una fase como para Joan Miró, el que en su etapa de grafismo infantiles se acerca al monigote. El Surrealismo fue una vía de escape para muchos artistas de los más diversos ámbitos, cabe citar a una Frida Kalho.
 
     Los maestros del Surrealismo supieron poner a presión la "gran libertad de espíritu" que Breton consideraba básica para hacer estallar la imaginación

Óleo sobre lienzo. 1931. Dimensiones: 24 x 33 cms.
Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Estamos delante de un paisaje onírico. Parece una playa al anochecer. En primer término y en posición central, destaca una extraña figura:una cabeza blanda con una enorme nariz, de larga y carnosa lengua que sale de ella, pero carece de boca. Su raro cuello se pierde en la oscuridad. Reposa dormida sobre la arena, ya que vemos cerrado su ojo, con unas enormes pestañas. Puede muy bien ser un autorretrato estilizado del pintor.
Tiene encima un blando reloj de bolsillo. A la izquierda, sobre lo que parece una mesa de madera rectangular, aunque incompleta, encontramos otros dos relojes: uno más pequeño, cerrado, sobre el que se apelotona una multitud de hormigas; el otro, enorme, blando y alabeado- con una mosca encima y marcando casi las siete horas- ,se escurre por el borde de la mesa. De ésta nace un árbol roto, con una sola rama sin hojas sobre la que hay un tercer reloj blando. Al fondo, iluminada fuertemente, vemos una cala recortada por acantilados rocosos. Una piedra redondeada proyecta su sombra sobre la arena de la playa, que está desierta. El mar se confunde casi con el cielo cubierto de vaporosas nubes blancas.
En La persistencia de la memoria los relojes se deshacen, quizá hastiados del tiempo, o de sí mismos, y lo hacen sobre la rama muerta de un árbol, sobre una cabeza disparatada que finge dormir, sobre una mesa que se cuadra obediente hacia al punto de fuga. Cada reloj marca una hora, como si la manía circular de cada uno de ellos mantuviera una postura distinta acerca de la hora exacta. Como el cuadro no es cine, no sabemos si las agujas, en efecto, marchan hacia delante, hacia donde estamos acostumbrados que lo hagan: las dos después de la una, y las cuatro después de las tres, cuando ya han terminado los telediarios. ¿Quién sabe si estos relojes de Dalí van hacia atrás, y entonces no habría que preocuparse por levantarse a tiempo, sino por haberlo hecho demasiado pronto?

DADAISMO

•  El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
• Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección
• Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
• Los representantes del dadaísmo promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
• Características:

1. Protesta: rechaza lo establecido, los convencionalismos, volviendo a lo instintivo e irracional.
2. Carácter lúdico.
3. Liberación del subconsciente: transición al surrealismo y al arte abstracto.
4. Nuevas ideas: fotomontaje, collage y décollage.
5. Libre expresión artística: todo objeto puede ser obra de arte, "Ready-made".

• Jean Arp, Raul Hausmann, Kurt Schwitter, Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray
  
  
  
  
  Biografia del autor:
  Marcel Duchamp
  (Blainville, Francia, 1887-Neuilly, id., 1968) Artista francés nacionalizado estadounidense.
  En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su feEn 1917 se reencontró en Nueva York con su amigo Francis Picabia, al que secundó en su tarea de dar a conocer el movimiento dadá en Estados Unidos, para lo cual participó en la creación de revistas adscritas al movimiento como 291 o El ciego. Durante buena parte de las décadas de 1920 y 1930 abandonó la práctica artística por la semiprofesional del ajedrez, juego del que llegó a ser un moderado experto. Desde 1934 estableció fuertes lazos con el movimiento surrealista, especialmente con Breton, que en 1935 publicó el primer estudio concienzudo de su obra. Poco a poco, Duchamp fue recluyéndose en el anonimato con la única compañía de su esposa, Teeny Sattler, con quien había contraído matrimonio en 1954.
  
  

  Una de las obras dadaistas mas conocidas es la de la mona lisa con bigotes “L.H.O.O.Q.”

  

  L.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready-mades de Duchamp. Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística. En L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título. Duchamp realizó varias versiones de L.H.O.O.Q. de diferentes tamaños y soportes. Una de ellas, es una reproducción en blanco y negro de la Mona Lisa sin bigote ni perilla que llamó L.H.O.O.Q. Afeitada.

  
  

  
  

  Fuentes de información:

  http://www.arteespana.com/dadaismo.htm

  http://www.frasesypensamientos.com.ar/historia/dadaismo.html

  http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/duchamp.htm

  
  

  
  
  

  
  
  
  

ARTE ABSTRACTO

• El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
• El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos siginificados variados.
• Dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.
  El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
  También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas
• La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con elAction Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones
• Artistas Abstractos: Vasily Kandinsky, Paul Klee

Biografia del autor:

Wassily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, 

Improvisación, Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.

Autor: Wassily Kandinsky 
Tipo de obra: Óleo sobre lienzo 
Estilo: Abstracción lírica 
Cronología: Entre 1910 y 1913

En 1910, cuando en París el cubismo revolucionaba las artes plásticas. Vasily Kandinsky pinta en Alemania una acuarela donde no existe referencia figurativa alguna. Esta obra. pionera del arte abstracto contemporáneo, anuncia un nuevo camino en la pintura del siglo XX. Conocedor de la teoria de Worringer sobre ola libertad total del artistas, Kandinsky quedó fascinado ante un cuadro que no era otra cosa que su propio lienzo colocado al revés: carecía de tema y sólo mostraba manchas multicolores. Junto a sus compañeros Franz Marc. August Malke y Klee, formó el segundo movimiento expresionista alemán (Der Blaue Reiter, El jinete azul), de carácter más lírico y menos figurativo que el anterior.

Su obra Composición IV muestra una serie de lineas. colores y formas sin ninguna relación con la realidad exterior. El lienzo. dominado por colores muy vivos, expresa un estado emocional. Cada color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Música y pintura están vinculadas, como escribe Kandinsky en su libro Sobre lo espiritual en el arte (1911). Los colores surgen en hermosas mezclas de límites completamente inverosímiles. Todo es como una explosión de fuegos artificiales, no hay ni la más remota idea de paralelismo, ni de simetría, y por supuesto es casi imposible encontrar una ligera similitud con cualquier tipo de pintura figurativa. El artista necesita exteriorizar una necesidad interna, y lo hace mediante la abstracción. Busca un arte espiritual. imaginativo, intuitivo. El cuadro es una realidad autónoma sin conexión con la naturaleza. 

Fuentes de información: 

http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html

http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/kandinsky.html

FUTURISMO

• El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. 
•  Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919
• La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
• Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática
• Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
•  serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Este movimiento tuvo una gran repercusión en toda Europa
• Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Luigi Russolo, Gino Severini, Carlo Carrá
BIOGRAFIA DEL AUTOR:
Umberto Boccioni: Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.
En Estados de ánimo las líneas dinámicas se alternan con los espacios vacíos, que expresan el desánimo.
Finalmente se apartará del futurismo, de la velocidad y del dinamismo y se irá acercando al análisis de los volúmenes redondeados y más estáticos influido por Cézanne.

En este "dinamismo de un jugador de fútbol", Boccioni busca plasmar en la tela el dinamismo de la era moderna, sacudida por una revolución de desarrollo industrial. El movimiento, típico de la era actual, quiere reflejarse como protagonista por encima de cualquier otro aspecto. Un mismo objeto tiene que dar sensación de movimiento mediante el recurso del color, muy vivo, y la multiplicación de las posiciones de un cuerpo como lo hacía el cine lento de comienzos de siglo. Es por tanto la representación simultánea de varias posiciones solapadas en el espacio haciendo creer en un movimiento acelerado.









fuentes de información:  http://www.arteespana.com/futurismo.htm